E intanto Erwin Schrott dà voce a Mefistofele

by Marco Andreetti (Corriere della Sera, 4th May 2009)

«A Santa Cecilia è arrivato Mefistofele: cioè il basso uruguayano Erwin Schrott. È lui la guest star dei concerti diretti da Antonio Pappano nei quali canta il Prologo dal «Mefistofele» di Boito. Il program­ma è completata dalla prima Sinfonia di Beetho­ven e dal «Te Deum» di Verdi. «I ruoli demoniaci m’intrigano molto – dice il basso – . Un po’ per in­clinazione vocale, perché i demoni hanno sem­pre una voce scura, e un po’ perché la parte del ‘cattivo’ risulta spesso quella più divertente e sfaccettata, aperta a una moltitudine di interpreta­zioni personali».

Già protagonista tre anni fa a Santa Cecilia nel­la «Damnation de Faust» di Berlioz sempre diret­to da Pappano («Siamo molto in sintonia, è una persona genuina dall’entusiasmo contagioso con cui imparo molto ma divertendomi e non è cosa da poco!») Schrott è tornato ancora nei panni di un Diavolo, questa volta tutto italiano: «Sebbene entrambi trasposizioni dal ‘Faust’ di Goethe, so­no molto diversi tra loro dal punto di vista psico­logico. Ho affrontato l’intero ruolo di Berlioz an­che al San Carlo di Napoli, una strana creatura che irrompe dal nulla e distrugge le vite di Faust e Marguerite repentinamente, riuscendo nel frat­tempo a strappare anche qualche risata. Invece inizio solo ora a conoscere il Mefistofele di Boito, che sfida un potere superiore quasi per noia».

L’opera di Arrigo Boito – letterato e musicista della Scapigliatura milanese che scrisse per Verdi i libretti di «Otello» e «Falstaff» – andò in scena alla Scala il 5 marzo 1868 e si apre con il prologo in cielo dove Mefistofele nel recitativo «Ave Si­gnor, perdona» annuncia di volere trarre in tenta­zione Faust: «Quasi non ha dubbio della sua vitto­ria… e poi invece fa la stessa fine di Don Giovan­ni!», spiega Schrott, 36 anni, fisico possente, vo­ce e carisma che lo rendono uno dei cantanti più richiesti oggi per interpretare il mitico seduttore mozartiano. Il cantante aprirà la prossima stagio­ne della Scala con un altro personaggio tutto sex appeal, l’Escamillo di «Carmen» e vi ritornerà nel­la stessa stagione ancora con «Don Giovanni» e «Les Contes d’Hoffmann». Schrott è sposato con il soprano russo Anna Netrebko, la star in assolu­to più richiesta e pagata oggi nel mondo della liri­ca. Il loro figlio Tiago Aruã è nato lo scorso set­tembre a Vienna e i giornali rosa austriaci hanno fatto a gara per accaparrarsi in copertina le foto insieme al bambino; intelligenti, belli, bravi, a ve­derli sembrano gli Angelina Jolie e Brad Pitt della lirica, questo mese sono anche su «Vanity Fair»: «Non ho nemmeno il tempo per preoccuparme­ne più di tanto, preferisco focalizzarmi sulla musi­ca», commeta Schrott e intanto, dopo il «Don Gio­vanni », tutti sperano di poterli sentire ancora can­tare insieme in un’opera: «Non dipende solo da quello che io o lei vogliamo fare, ma anche da quello che le nostre voci, maturando, ci consenti­ranno di cantare, e non lo dico con rassegnazio­ne, ma con molta curiosità».»

Interview – Metropolitan Opera: Seduction Theory (12-10-2008)

By Charles Sheek (PlaybillArts)

«Erwin Schrott, a veteran Don Giovanni, tells the Met’s Charles Sheek why opera’s ultimate bad boy continues to enthrall artists and audiences.

You’ve sung Don Giovanni many times, but never before at the Met. How has your interpretation developed?

Everybody discovers different nuances each time they perform in an opera. It grows on you. And I have to compare my own point of view to those of the director and the other artists. That’s why singing the same role so many times is never boring—it’s never the same thing.

You were asked to sing Giovanni early in your career but decided to wait. Why?

Most people think Mozart is the easiest way for a singer to approach the profession, but it’s not easy at all. His music can be cheery or tragic or a lot of things at the same time. When you look at Don Giovanni it may look simple at first, but then you discover there’s a lot more to it. Either you decide to sing it and see what happens, or you take your time and study all the details until you’re confident enough to face Mozart onstage. I took the second option.

What is it that Don Giovanni is really after? Is it the seduction, power, the thrill of the chase…?

I think he’s a bored, emotionless person who entertains himself by hurting other people. He serially misbehaves. He fakes passion, he’s seductive, but the truth is that he has no passion at all—because it’s an emotion, and he’s unable to feel anything for anyone. He doesn’t care about what happens around him.

Mozart wrote the opera in the 1780s. Why does this character continue to interest us?

There are still plenty of Giovannis in the world! The opera is a psychological essay on infidelity, betrayal, and men always being on the verge of moral corruption. It’s very contemporary, if you think of it in these terms!

You sang in this production on a Met tour to Japan two years ago. How would you describe director Marthe Keller’s staging?

Her vision is quite simple, but in a good and interesting way. Simple things are often the hardest to achieve. Marthe sees Giovanni as some sort of addict, addicted to seduction to the extent that he behaves as if defying death were the ultimate act of seduction.

You just had a son, Tiago, with Anna Netrebko. Congratulations! Would you want him to become a performer?

I’d like my children to become whatever they wish. And to be happy—I couldn’t ask for more for them than that.»

A Rake, Sure, but a Thoughtful One

By Anthony Tommasini (NYTimes)

«There was a moment last summer during a performance of Mozart’s “Don Giovanni” at Covent Garden when the charismatic Uruguayan bass Erwin Schrott, singing the title role, nearly stopped the show. And not in the typical meaning of that phrase.

This was the first time I had heard Mr. Schrott, dubbed “the Marlon Brando of opera” by some in the international press, and I was wary of the hype. But after observing him in action on that June evening in London, the comparison seemed not that much of a stretch. New York opera lovers can see him as the Don starting on Saturday, when he stars in the Metropolitan Opera’s revival of Marthe Keller’s 2004 production.

He had the audience hooked from the first scene, when Giovanni appeared in disguise, looking like a masked Spanish pirate, his red vest exposing his muscled chest, bent on seducing the vulnerable Donna Anna. His virile, dusky singing deftly veiled the character’s malevolence.

In Scene 2, after having fatally stabbed Donna Anna’s father, the Commendatore, when the old man rushed to her rescue, Giovanni and his servant Leporello arrived on a street in Seville. In lines of agitated recitative the exasperated Leporello reprimanded his master as an utter rogue. Mr. Schrott’s Don laughed maniacally and warned the servant to hush up.

Then, as he breathlessly explained that another rendezvous was imminent, something seemed to distract him. He trailed off into uneasy silence. Crooking his neck, he looked around, squinted, then began singing again. Soon he stopped cold and sniffed the air. Was the singer discombobulated?

A knowing smile crossed Mr. Schrott’s face, and he sang the next line of recitative: “Zitto! mi pare sentir odor di femmina!” (“Hush! I seem to smell femininity!”) Ducking for cover, he waited, and sure enough, Donna Elvira appeared.

This moment usually comes across either as absurdly comic or simply weird. Don Giovanni can smell women approaching?

“Apparently he can,” Mr. Schrott, 35, said during a recent interview at the Met, following a staging rehearsal. Recalling that production, Mr. Schrott said, “I can’t tell you how many times a coach or prompter fed me a word, thinking I had forgotten a line.”

The Russian soprano Anna Netrebko was singing Donna Anna at Covent Garden that night. The two are now engaged; early this month she gave birth to their son, Tiago. While Mr. Schrott appears at the Met, Ms. Netrebko is at home with the baby in her Vienna apartment. Mr. Schrott also has a 10-year-old daughter, Iara, who lives in Uruguay with her mother, his ex-wife.

Opera buffs should not expect the pair to become the next love couple, appearing regularly together in productions. “We actually want to try to avoid it,” Mr. Schrott said. “She has her career, I have mine.” Of course, he added, “if it happens naturally, fine.”

Mr. Schrott is gratified to be considered a dynamic actor and smoldering stage presence. But he emphasized that the basic craft of singing is crucial at this stage in his career. He is determined not to let himself be pushed into vocally inappropriate roles, he said, even if it means restricting his repertory.

Mr. Schrott has sometimes been faulted for letting musical details slip when he becomes swept up in the moment of a performance. But he has taken that feedback to heart. Coaches at the Met, where he made his debut in 2000 as Colline in “La Bohème,” report that he is disciplined and focused.

Mr. Schrott’s career developed slowly, which was fine by him. After three years at a conservatory in Uruguay, he continued his studies for a year in Buenos Aires. With a fellowship in hand, he went to Italy for training and worked with mentors, notably the baritone Leo Nucci, whom he had met in South America. His breakthrough came in 1998 when, after hedging about entering Operalia, the competition run by Plácido Domingo, he won it — both the jury prize and the audience prize.

For years he was content to sing supporting roles. “It was beautiful to take a character who is not the big deal in the opera, but to make something of it,” he said. “That is really being an artist.”

Bigger roles came his way, including Mephistopheles in “Faust,” Banquo in “Macbeth,” Mozart’s Figaro and a major challenge, Pharaoh in Rossini’s “Moise et Pharaon,” at La Scala in Milan, with the perfectionist Italian maestro Riccardo Muti conducting.

Decca has just issued Mr. Schrott’s first solo recording, a program of arias by Mozart, Verdi, Meyerbeer, Gounod and Puccini, with Riccardo Frizza conducting the Orquestra de la Comunitat Valenciana. For a singer so naturally spontaneous, the recording process — which requires performing passages over and over to get them right — was initially a “nightmare,” he said.

At first he was worried, he said, that the sound of his voice — “my ideal sound, my inner sound, what my ear hears” — was not coming through on the recording. Actually, the engineers have ably captured the heft, warmth and chocolate-tinged colorings of his voice. He may have felt constrained singing before microphones in a recording studio. But his performances have plenty of his trademark impetuosity, and by the end, he was pleased with the results.

Don Giovanni is becoming his calling card, though he also sings Leporello, as he did to acclaim this summer at the Salzburg Festival, which gives him dual insights into the roles. “I think Leporello understands Don Giovanni better than Giovanni understands himself,” Mr. Schrott said. He sketched out two frameworks for comprehending their relationship, which he considers a co-dependency.

In one, Leporello is an older, more overtly comic character. You could imagine him having worked for Giovanni’s father; when the father died, Mr. Schrott explained, he entrusted his bored, reckless son to his faithful servant. The other is to consider Leporello and Giovanni as having grown up together, servant and master in the same household.

“They played games when they were kids,” Mr. Schrott said. Leporello is jealous of Giovanni’s wealth and elegance, and the beautiful women. But inwardly he pities his master’s amorality and emotional emptiness.

Mr. Schrott much prefers this second concept, as does his colleague Ildebrando D’Arcangelo, the Italian bass who is singing Leporello in the Met’s production. That was clear during the recent staging rehearsal in a basement studio of the house.

Working with the director Gina Lapinski, Mr. Schrott and Mr. D’Arcangelo sorted out the attitudes of the two characters during the final scene at Giovanni’s castle. During the previous scene the Don had rashly invited the statue of the Commendatore, which had spoken to him, to join him for supper.

Beneath all the banter and horseplay you sensed the tensions and mistrust between this master and servant. The most fascinating interplay, though, came when the mezzo-soprano Susan Graham, singing Donna Elvira, burst into the scene. What Elvira yearns for here has always seemed elusive. Getting on her knees, she says that she wants to prove her love for Giovanni one last time. Does she actually want him back? Or does she only want him to repent and change his ways?

Ms. Graham explained to her colleagues that as she sees the character, Elvira’s romantic fantasy is over. She wants to be proved right and for Giovanni to renounce his ways. Mr. Schrott answered that Elvira may believe this rationally, but that passion and love are beyond reason. Elvira is still desperate.

When Mr. Schrott approached the kneeling Ms. Graham with a seductive gleam in his eyes, Ms. Graham said, “That’s too much, too romantic.” So he tried again, this time flashing an enticing yet blank look that barely concealed his contempt and lust. It worked.

Afterward, Mr. Schrott cautioned that when he gets onstage in this scene, despite all the painstaking work, anything can happen in the moment. “Taking risks is part of the job,” he said. “Making choices. You have to.”»

Interview: Erwin Schrott

(Das Opernglas – July 2008)

«Die Karrierekurve von Erwin Schrott weist steil nach oben. Hinzu kommt seit einigen Monaten der Rummel um sein Privatleben. Wie er mit all dem umgeht, verriet er unserem Mitarbeiter Johannes Schmitz in Berlin. Ausschnitte aus dem Interview.

Seit Ihrem letzten „Opernglas“-Interview vor anderthalb Jahren ist viel passiert in Ihrem Leben, beruflich wie privat. Sie sind einer der weltweit gefragtesten Don Giovannis, und Donna Anna – Anna Netrebko – erwartet ein Kind von Ihnen. Es scheint, dass die Oper und das wirkliche Leben eine Schnittmenge haben.
Sie werden verstehen, dass ich mein Privatleben äußerst sorgsam behandle und nicht gern darüber rede.

Absolut. Doch welche Konsequenzen ergeben sich für Sie daraus, dass Anna Netrebko und Sie ein Paar sind?
Nun, ich koche heute besser, und sie mag, was ich koche…, und ich lerne jetzt Russisch und versuche, Anna etwas Spanisch beizubringen.

Und beruflich? Gibt es gemeinsame Pläne?
Nein, nicht wirklich. Wir reden kaum über unsere beruflichen Laufbahnen.

Aber unterstützen Sie sich nicht gegenseitig, etwa in gesangstechnischen Fragen oder wenn es um Interpretationen geht?
Doch, das tun wir gelegentlich. Denn natürlich bewundere ich sie sehr als Künstlerin. Sie ist sehr konsequent in allem, was sie tut, und sie besitzt eine ungeheure Professionalität. Trotzdem reden wir gar nicht so viel über unsere Arbeit. Wenn wir zusammen sind, steht unser Privatleben im Vordergrund.

Also fühlen Sie sich nicht wie das neue Traumpaar der Opernszene?
Oh Gott, nein. Uns gibt es wirklich, wir sind ganz normale Menschen. Wir haben lediglich das Glück, gemeinsame Interessen zu haben und diese Liebe zur Musik teilen zu können, aber ansonsten sind wir wie jedes andere Paar auf der Welt und leben ein ganz normales Leben. Natürlich ist unser Lebensrhythmus ein anderer, ein schnellerer, allein durch die vielen Reisen.

Es ist sicher sehr angenehm, einen Partner zu haben, dem man nicht erklären muss, was der Job als Sänger für Anforderungen mit sich bringt.
Ja. Es fällt uns deshalb leichter, einander zu respektieren und uns gegenseitig zu verstehen. Da ich selbst Opernsänger bin, weiß ich natürlich, was Anna als Sängerin vor einem Auftritt braucht. Doch vergessen Sie nicht: Sie ist eine Frau und zumal in diesen Fragen eine sehr kluge dazu. Sie lebt ihr eigenes Leben, was die Karriere anbelangt. Sie hat so viele Verpflichtungen und steht unter einem enormen Druck. Dafür bewundere ich sie.

Sänger vergangener Jahrzehnte wirkten weniger nahbar. Vielleicht hat sich aber auch nur die Welt um die Sänger herum gewandelt und ihre Darstellung durch die Medien. Wer hat sich denn nun verändert: Wir oder die Sänger?
Als ich einmal mit einem Freund in einer Bar war, haben wir über ganz normale und profane Dinge gesprochen, über Sport etwa. Da kam ein junger Mann auf mich zu und sagte mit tiefschwarzer Stimme, die ihn wohl als Sänger ausweisen sollte: „Sind Sie es, Herr Schrott, der berühmte Opernsänger?“ Ich antwortete: „Ja, hi, ich bin Erwin.“ Darauf sagte der Mann: „Ich wollte Ihnen nur sagen, dass ich auch Sänger bin.“ Da war er, der Stereotyp des Sängers, der versucht, mit seiner Stimme zu beeindrucken. Aber meine Sängergeneration „tickt“ eigentlich schon völlig anders.»

«Me gustaría actuar en teatro o en un musical de Broadway» – 03-03-2008

by Marta Moreira (abc.es)

Erwin Schrott (Montevideo, 1972) es junto con Carlos Álvarez el cantante más asiduo de la corta historia del Palau de les Arts. Su compromiso con el teatro valenciano, cimentado gracias a la labor de Helga Schmidt, tendrá como colofón su traslado a Valencia, ciudad en la que quiere echar raíces con su familia.

-Imagino que cuando un cantante se especializa en el repertorio mozartiano tiene ante sí el reto de ofrecer algo más. ¿Se le pueden dar nuevos matices a Fígaro a estas alturas?

-Es la gran reponsabilidad que tenemos como intérpretes. Responsabilidades que sólo se toman cuando asumes riesgos. Ofrecer algo diferente no quiere decir con falta de respeto o con cambios exagerados. Siempre hay que garantizar el mantenimiento de las leyes musicales, el estilo, la trama y la época original del autor. A partir de ahí uno puede exprimir el personaje a su manera. El exceso de permisibilidad es lo que lleva a la arrogancia y el egocentrismo. Nosotros sólo somos intérpretes, la creación ya está hecha. Por mucho que estemos dotados de genio, las claves de la obra maestra ya nos vienen dadas. Y precisamente los cantantes más grandes son los más humildes.

-Precisamente su mentor más notable, Plácido Domingo, es conocido por su sencillez a pesar de vivir en el estrellato.

-Plácido es un marciano, no es humano. Es un cantante al que nadie se debe comparar, aunque todos deberíamos aprender de él. Es uno de los pocos colegas a los que da gusto escuchar por la excitación constante en la que vive, por su capacidad para sorprenderse de las cosas más pequeñas después de cuarenta años de carrera. Debo agradecerle que tras conseguir que me hiciera una audición me llamó inmediatamente para interpretar a Dulcamara en «L´Elisir d´Amore» de Donizetti en Washington; un personaje que suelen interpretar cantantes de sesenta años. Yo tenía entonces 23 y nuca había hecho un papel protagonista, pero ese tipo de oportunidades son de las que no puedes dejar pasar.

-¿Era uno de esos papeles en los que uno puede dañarse la voz?

-En todos los papeles puedes dañarla, desde el más pequeño hasta el más complicado. Depende de tu preparación. Estamos hablamos de dos cuerdas vocales que son más frágiles de lo que pensamos, basta muy poco para destruirlas.

-¿Alguna vez ha temido perder su herramienta de trabajo?

-Puede llegar a dar mucha paranoia, pero si te vuelves loco con ello te pasas el tiempo enfermo y tienes que vivir en un iglú. Hay cantantes que no hablan en todo el día, otros que no caminan… Pero los virus están en todos los lados y hay que aprender a estar en el ambiente común. Yo tomo algunos cuidados, llevo una vida sana, pero sin volverme loco.

-Recientemente ha participado en una producción bastante moderna de «Las bodas de Fígaro» en Zurich. ¿Qué puede adelantarnos de la que se presenta aquí?

-La de Zurich era totalmente distinta a esta, allí el conde era un mago, por ejemplo. Éste es un montaje que transcurre apenas un poco más tarde de cuando Beaumarchais escribió la obra. El decorado es decrépito, anunciando el fin de la época dorada de los nobles y como preludio de la Revolución Francesa. Fígaro está representado como un sirviente que se muerde la lengua y cierra el puño.

-¿Ha sido la especialidad como bajo en Mozart un camino voluntario, existiendo papeles tan agradecidos para barítono en Verdi?

-He tenido la suerte de estudiar con grandes profesores que me insistían en que Mozart era una escuela de canto, que con él descansabas la voz, y aunque yo quería cantar otras cosas (como hacer dramas y pegar gritos en el escenario), puse toda esa testosterona en una cajita y les hice caso. De todas formas no tengo interés por el momento en actuar como barítono. He hecho algunas cosas sueltas de Verdi, con filmaciones para DVD fuera del teatro. Tomé a Alfredo Krauss como ejemplo de cómo se puede profundizar en las obras cuando te especializas en un repertorio reducido, aunque corremos el riesgo de aburrirnos, claro. Yo he decidido hacer una carrera muy cauta y centrada.

-Pertenece a una generación de cantantes de ópera en la que las dotes actorales son mucho más apreciadas y requeridas de lo que fueron en el pasado. Una época en la que además la concordancia física con los papeles es importante. ¿Se ve trabajando en una obra de teatro convencional?

-Me encantaría, aunque no sé si estoy preparado. Me gusta mucho el teatro de prosa, pero nunca lo he intentado, no sé si tengo la técnica vocal. Pero si me lo ofrecen, el papel es ideal para mí y tengo suficiente tiempo para estudiarlo, diré que sí. Ya me han ofrecido antes musicales en Broadway.

Schrott to the Heart – LA Downtown News 24th Nov 2007

by Julie Riggott (LA Downtown News)

«Don Giovanni claims he’s slept with 2,065 women. Erwin Schrott’s not buying it.

“He’s totally a storyteller. I think he’s such a liar, you know?”

Schrott would know about the legendary Latin lover. The opera sensation has been in Don Giovanni’s shoes – and inside his head – on stages in Washington, D.C., Florence, Genoa, Naples, Milan, Valencia and London. But he’s not counting exactly how many performances.

“Why should I count? I am not Don Giovanni. Don Giovanni is the one who counts,” the Uruguayan bass said, laughing.

The 35-year-old Schrott is in demand internationally because his sensual voice, heartfelt acting and good looks make the press rave and crowds swoon. Downtown Los Angeles audiences get a second chance to be seduced as he reprises his role in Mariusz Trelin´ski’s critically acclaimed 2003 L.A. Opera production of Mozart’s Don Giovanni. It opened Saturday at the Dorothy Chandler Pavilion and continues through Dec. 15.

Critics have exalted Schrott as “a stage animal,” “feral,” “sensual” and “lusty” with “ferocious brutality” in what has become his signature role. Schrott thinks the comparisons are right on.

“I can eat everybody alive,” he said on a day off from rehearsals before the opera’s opening. “Oh, I have to calm myself down, otherwise it’s like an explosion that lasts for three hours. Don Giovanni is a character where you can give all this ferocity and this energy. And I love the stage. Of course I am totally wild when I finally get on the stage – wild with focus and concentration, but wild.”

Schrott, who fell in love with theater the first time he stepped on the stage at age 8 in Uruguay, is so passionate about opera that his life is almost indistinguishable from it. “I spend maybe 330 days inside of the theater. Most of the year that’s where I am. When I’m not there physically, my mind and my soul are still there.”

Schrott played Don Giovanni for the first time when Plácido Domingo invited him to perform with the Washington National Opera. He was 29, and though he had appeared in operas including La Boheme and MacBeth, he was nervous about the invitation to play this title role.

“I was so scared,” he said. “So I finally got into the theater and I started singing the part, and I couldn’t believe it. I was confident. I was feeling fantastic,” he recalled. “The first one that really believed in what I was going to be was Plácido.”

Schrott, who lives primarily in Italy, said that Treli´nski’s 2003 production of Mozart’s classic comic drama for L.A. Opera was “made for Los Angeles. It always respects the drama and Mozart and [librettist Lorenzo] Da Ponte. But it has a lot of flaaash, a lot of vooom,” he said dramatically. “That is very L.A.”

Treli´nski, a Polish movie director who says he tries to inject a “contemporary aesthetic” in his operas, knew he had a find with Schrott.

“Erwin is a very unique person,” he said by phone. “Of course, we know he has a great voice and he is very handsome. But that’s not all. I think he has incredible instincts. His work is very organic. When he’s onstage, the body, the voice and the movement all become one.”

Despite the previous accolades, Schrott and Treli´nski have decided to make some changes in the character this time around, exploring the reflective side of Don Giovanni. “We are trying to tell a new story from the last time that we did it,” Schrott said.

“Don Giovanni is the story of a man who wants to drink all wines of the world. But after a thousand bottles, he realizes everything is very monotonous. He tries to look for new experiences,” Treli´nski explained. “In the end, he provokes his own death, he chooses his death. What I changed in the production is the second part is more introspective, a little deeper.”

Although the character has ignited his career, Schrott finds nothing to envy about the legendary libertine, who, he believes, is incapable of love and disrespects women by playing with their feelings. “He can make women fly with his words. But I think he has the same power with men,” he said. “He doesn’t respect or care about anyone. He laughs at other people’s unhappiness, and that makes him very unhappy” as well as lonely.

For the record, Schrott thinks anyone who talks that much and counts his sexual conquests is very insecure. Which raises the question: How does Schrott, who admits he completely immerses himself in a character’s emotions, play Don Giovanni?

“Maybe inside of me there is a Don Giovanni,” he said. “The fact that every one of us would like to seduce is a totally possible point. We dress up, we brush our hair, put on some makeup, high heels, a nice shirt. We try to get into a nice conversation, using not the basic, elementary words but adding flowers to it just to make the conversation even a little bit more interesting.”

Sporting designer frayed jeans, with a bar piercing through his upper left ear and dark, spiked hair, Schrott could be as charming and seductive as Don Giovanni, sounding like both poet and philosopher as he analyzed his character. But his sensitivity shows a depth Don Giovanni never achieves.

“Love is about being able to give the best of yourself and also to resist the idea of hiding the worst,” he said. Instead, he noted, Giovanni has failed to find love, and the man who has slept with 2,065 women will forever remain “a lonely heart.”»

Opera stage is new hot spot – LA Times 22nd Nov 2007

by David Ng (Los Angeles Times)

«”It’s hot in here,” says bass-baritone Erwin Schrott during a recent rehearsal of “Don Giovanni” at the Dorothy Chandler Pavilion. With a casual flourish, the Uruguayan singer doffs his white Dolce & Gabbana shirt and for a moment, all eyes in the room migrate to his muscular torso, which he covers with a green T-shirt. Then the music quickly starts up again. Mozart waits for no one, not even the brawny leading man.

Opera is often called the highest of all art forms. These days, it might also be called the sexiest. Gorgeous young singers are drawing attention around the world, helping to rejuvenate the genre. Starting this week, Los Angeles Opera plays host to some of that smoldering talent. Schrott reprises his signature role as the unrepentant lothario in Mozart’s “Don Giovanni” (opening Saturday). And soprano Maija Kovalevska — a rising star — makes her local debut as Mimi in Puccini’s “La Bohème” (opening Sunday).

The abundance of pulchritude is enough to melt the Dorothy Chandler Pavilion’s chandeliers. In person, however, the singers are refreshingly unpretentious. They talk about everything from their favorite movie stars to their exercise routines. No prima donnas here — these performers make opera feel modern and accessible.

“I think the days when tenors and sopranos would stand in the middle of the stage and scream all night are over,” says Schrott, 34, during a lunch break. “Those days when they were . . . am I allowed to say ‘fat’ in a newspaper? Those days are gone.”

To put it another way, opera houses are gradually learning what Hollywood has known all along: good-looking stars can equal big box office. The first time Schrott performed “Don Giovanni” at L.A. Opera in 2003, the house reached 95% capacity for most shows. When superstar hotties Anna Netrebko and Rolando Villazón came to town to perform “Manon” and “Romeo and Juliet,” demand was so high that stand-by lines wrapped around the pavilion.

For Schrott, making opera enjoyable for contemporary audiences is a personal mission. “You have to be an actor,” he says. “Singing is just part of it. In fact, I don’t even think singing is the most important part. You have to be believable. If I have to dance, I study dance. If I have to do sword fighting, I study that. We have to be in the best shape we can be in every way possible.”

To stay fit, Schrott hits the gym. “I love running. I climb at the gym. And I swim a lot,” he says. During lunch, he gravitates toward sashimi, garden salads and fresh fruit. The results of his discipline have not gone unnoticed by fans. Opera blogs refer to him as a “barihunk” — an honorific that he shares with other lower-register studs Nathan Gunn and Teddy Tahu Rhodes.

Asked about his sex symbol status, Schrott replies, “No, I know nothing about that.” (A disingenuous response, perhaps, as his wardrobe consists primarily of form-fitting designer shirts and tight jeans. His hair — recently cut short — is gelled out in metrosexual spikes.)

The singer seems more comfortable talking about his young daughter, who lives in Montevideo, Uruguay. (“I am missing her very much.”) He also discusses his favorite movie actors — Marlon Brando, Woody Allen, Johnny Depp. He’s also a fan of Klaus Kinski, the maniacal actor in such films as “Fitzcarraldo” and “Woyzeck.”

“Kinski was totally crazy,” Schrott explains. “All of his power, like this big whoosh, comes from the inside of him to the outside.” He leans forward and whispers, “I’m using Kinski in ‘Don Giovanni.’ You will see. I am stealing some things from him.”

It’s not unusual these days for an opera singer to go from obscurity to fame in a matter of weeks, and there’s no better example than Maija Kovalevska. In October 2006, the Latvian soprano won the top prize at Operalia, the international competition sponsored by Plácido Domingo. A month later, she received an offer from the Metropolitan Opera in New York to star in “La Bohème.”

“It came together so fast,” she recalls. “I remember when I first walked onto the stage at the Met. I couldn’t see the end of the auditorium it was so big!” Domingo, who was conducting, encouraged her to test the acoustics. “He told me not to be scared and to just sing. And so I did and it was very nice. It wasn’t difficult at all.”

Domingo likes to serve as a lifelong mentor to his Operalia laureates. “I never let them go completely,” he says on the phone from New York. “I’ll always advise them, as much as they’ll listen to me.” He adds that Kovalevska “impressed me immediately when I first heard her perform. And her looks also! Of course, the voice is the most important thing, but how lucky for her and the others to look like movie stars.”

Kovalevska, 28, will perform “La Bohème” in the LA Opera production conceived by the late film director Herbert Ross (“The Turning Point,” “Steel Magnolias”). “I like this production because it’s so simple,” Kovalevska says. “There’s not too much movement so I can concentrate on the emotions.” (She shares the role of Mimi with Virginia Tola — see below.)

Tall, slender and fair-skinned, Kovalevska cuts a model-like figure. “I like to stay fit. I jog whenever I can,” she says. “But it’s not only to look good. It’s for singing.” She says strong abdominal muscles are the key to a great voice. “We keep all of our breath down there, deep down inside. It’s a bit like yoga.”

Kovalevska segued into opera at age 17 after studying piano, partially out of a love for languages. She speaks four fluently (Latvian, Russian, Italian, English) and can perform in a couple more (German, French). When preparing for the cover photo shoot, she and Schrott — who had met for the first time a few minutes before — discuss the best angles for lighting in animated Italian. (He used to live in Italy; she studies near Bologna with the legendary soprano Mirella Freni.)

Like Schrott, Kovalevska sees opera as a populist art form. She mentions a New Yorker magazine article from earlier this year that put the per-screen, per-day grosses of the Met’s multiplex HD broadcasts of its Saturday matinees above that of Hollywood’s own. “Opera is so powerful, you can’t be indifferent to it,” Kovalevska says. “You either hate it or love it.” As for the future of an art form perpetually described as near death, she remains optimistic: “If it has survived until now, there is a reason. I think opera will live forever.”»

Interview: Erwin Schrott abrazado al realismo en la época

by Jorge Rodríguez (El Vocero de Puerto Rico)

«Con sólo 34 años de edad, el bajo-barítono Erwin Schrott, quien debuta en Puerto Rico junto a la soprano Anna Netrebko, bajo la dirección del Maestro Plácido Domingo, en el concierto “Una noche de amor y pasión”, este próximo martes, 9 de octubre, en el Centro de Bellas Artes (CBA) de Santurce, se constituye en una de las estrellas ascendentes en el mundo de la ópera actual, después de haber ganado el primer premio y el premio del público en la prestigiosa competencia de canto “Operalia”, celebrada en Hamburgo en 1998.

A partir de entonces, su portentoso timbre ha engalanado al Metropolitan Opera House de Nueva York —donde caracteriza a “Don Giovanni” actualmente— así como las casas de ópera de Viena, París, Hamburgo, Roma, Nápoles, Valencia, Zúrich, Washington, Los Angeles y el Covent Garden de Londres. En Puerto Rico, Schrott y Nebretko cantarán por vez primera acompañados por la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, bajo la dirección del Maestro Plácido Domingo, en esta singular actividad producida por Guillermo Martínez y CulturArte de Puerto Rico.

Schrott es considerado un prodigio en el género musical, pues desde los 8 años de edad comenzó a participar en producciones operáticas desde los coro, a nivel profesional, por lo que afirma que ya cuenta con 26 de carrera. De esta forma, ESCENARIO conversó con el artista de nacionalidad uruguaya.

Antes que nada, y como parte de una nueva generación de cantantes de ópera, ¿cómo consideraría el legado dejado por una estrella de la historia de la ópera como Luciano Pavarotti?

—El legado de los grandes maestros es algo innegable no sólo por el nombre de Pavarotti y otros como Alfredo Krauss, a quienes no tenemos aquí pero creo que van a ser lugares imposible de cubrir con ningún otro artista. Yo prefiero mantener el lado positivo de todo con lo que nos dejaron y lo que podemos aprender de un maestro. Pero, refiriéndome a lo positivo nuevamente, todavía tenemos a maestros como el señor Plácido Domingo de quien prefiero hablar ante la tristeza que puede causar la muerte del maestro Pavarotti.

¿No cree que él como sus amigos hicieron un intento clave para masificar el género de la ópera llevándola a estadios, en actividades multitudinarias?

—No es intento de masificar sino de educar y crear un conocimiento básico de la ópera para que se pueda popularizar. Ese es justamente el primer paso que se puede dar para darle cabida a la ópera ante la gente que nunca ha tenido la oportunidad de entrar a un teatro lírico. A los artistas de mi generación y las nuevas nos hacen un grandísimo favor y honor el que ellos acerquen a nuevos públicos. Ahora eso, lógicamente, nos toca hacer a nosotros, darle un toque de realidad, un toque de personalidad joven a un arte centenario. Cada uno de nosotros tenemos que poner un granito de arena para convertir ese arte de la ópera en algo como si la gente fuera al cine.

¿No habría que acabar primero con el cliché de que la ópera es elitista?

—Hay que ver que la ópera puede dar una información mucho más vasta y variada; y que no se vea la parte dramática como el estereotipo de una persona que se para en el escenario, canta un aria y se retira. Me refiero a que hay que contar una historia sobre el escenario y crear el gusto enorme para que las nuevas generaciones puedan comprender y verse perfectamente representadas en el teatro como las óperas que hago “Las bodas de Fígaro”, “Don Giovanni” y “Cosí fan tutte” que hablan del ser humano. Esa música también despierta otras partes de nosotros, que al no conocerlas, las tenemos. No hay una música que tenga la verdad única porque la música es toda arte. Es importante lo que hace el Metropolitan Opera House que pone pantallas en la calle para que los trabajadores al regresar de sus oficios puedan gozar un poco de arte.

He leído que usted ha hecho hincapié con la rebaja dramática de los presupuestos italianos destinados al arte cuando ningún otro artista lo ha hecho. ¿Es este tipo un compromiso con el que usted se identifica?

—En Italia se enfrentaron al grandísimo dilema de que no tenían dinero para seguir las temporadas. Se sabe que un país sin cultura jamás podrá pensar en su libertad porque es un país sin educación. Me parece nefasto cuáles serían las cosas que me preocuparían muchísimo como que los niños no canten o no lean o que o tengan la oportunidad de soñar. El teatro da esa capacidad, y la de sorprenderte.

Tuve la oportunidad de ver al maestro Plácido Domingo en “Sansón y Dalila” y a la mezzo-soprano rusa Alina Gurina en “Aïda” -con unas voces fuera de serie- pero que respetuosamente no daban los personajes por su gordura y edad. ¿No cree eso innecesario?

-Ahora los teatros se están poniendo más exigentes con nosotros. Los artistas nos estamos dando cuenta de que tenemos que dar lo mejor de nosotros pero no por estar en línea, ser bonitos o feos.

Por lo menos, ¿no sería ideal dar el papel?

—No todos podemos ser Brad Pitt o Angelina Jolie pero podemos buscar dentro de nuestras características acercar a los personajes lo más posible.

Sabemos que estará sólo dos días en la Isla, así que, ¿qué nos trae?

—Plácido me invitó muy gentilmente a participar en este concierto. Ya hicimos uno juntos en Lisboa, pues, y ha sido una experiencia única el poder estar compartiendo con el maestro. Tengo 34 años y para mí, el hecho simplemente de estar en un escenario con Plácido Domingo es un grandísimo gusto; y ni qué hablar de una artista al nivel de Anna Netrebko porque es una artista muy responsable de hacer que la ópera se vea joven, nueva, llena de color, de felicidad y de alegría. Y de Plácido, digo que es el mejor cantante de ópera en la historia de la música.

¿Cómo le siente como director?

—El va a estar en el podio con la batuta dirigiendo a un cantante que sabe perfectamente cuáles son sus necesidades al momento de buscar su respiración, su movimiento, o simplemente dar un giro. Lo sabe porque él es cantante y eso le hace un grandísimo director porque conoce sus necesidades en escena. Hicimos “Don Giovanni” hace cuatro años y lo repetimos ahora. ¿Qué te puede contar un joven de 34 años que se encuentra un día sobre el escenario y que le dirige una personalidad como Plácido Domingo? Siento felicidad, una tremenda alegría y teniendo en cuenta que el concierto lo acepté absolutamente sin pensar en nada, incluso sabiendo que estoy aquí el 9 y tengo una función en el Met el día 10.»

Interview: Erwin Schrott

by Laura Battle (MusicOHM.com)

«Devilishly handsome with a voice that can charm the most demanding of critics, the young Uruguayan bass-baritone Erwin Schrott has become something of a sensation in the opera world.

Skimming over the press hype (“sexy and sensual”…”a born stage animal”) an uninformed reader might easily mistake him for yet another proponent of Andrea Bocelli’s ‘can belto’ style or – heaven forbid – the next Ricky Martin, but such wild assumptions could not be further from the truth.
Schrott may be easy on the eye but he also comes with an impressive CV. Born in 1972 in Montevideo, he began playing the piano as a young boy but went on to develop his voice as a chorister. It was not long before Schrott made his operatic debut at the Municipal Theatre of Santiago in Chile, and in 1998 he snapped-up a coveted award in Plácido Domingo’s Operalia competition. It is an honour that over the years has launched the careers of Joyce DiDonato, José Cura and Rolando Villazón, amongst others, and it set Schrott on the sure path to stardom. He is now in demand across the world and, despite having tackled a range of different roles (most notably, Escamillo in Carmen and Méphistopheles in La Damnation de Faust), he has quickly established himself as a Mozartian specialist.

Having debuted at The Royal Opera with the role of Leporello in the 2003 run of Don Giovanni, Schrott returns this month to take on the Don himself in a revival of Francesca Zambello’s controversial production. We meet in a snatched lunch-break, during a busy day of rehearsals, but he appears completely relaxed and talks with great animation whilst tucking into a fruit salad. To describe Schrott as enthusiastic would be an understatement: he positively radiates charisma and conveys a genuine passion for his work during our brief encounter.

London is one of his favourite cities and he sounds thrilled to be back. “I don’t want to hurt Paris or Florence, which I love very much, but it’s always great to be here,” he says. “In London people come to enjoy theatre, they don’t get distracted by the theories they might know, they don’t try to behaaaaaave! Audiences are fantastic here, I love them.” Judging by the way Schrott is received at Covent Garden, that affection is mutual. As Figaro in David McVicar’s hugely successful production of Le Nozze di Figaro last year he earned a glut of rave reviews and inspired excited comparisons with the celebrated Welsh baritone, Bryn Terfel. But if it was Figaro that won over the British public, it is Don Giovanni that is recognised internationally as his signature role.

Schrott takes me right into the complex psychology of opera’s most famous Lothario, explaining that he could never imagine tiring of the character, which is lucky, because the demand doesn’t look like drying up: he has a couple more Don Giovannis lined up this year and has just been booked for one in 2012. “If I thought I had found the answer I would play him exactly the same way every time, and it would be principally boring for me but also for the people who see me in different theatres all over the world…there are a million different ways to play this character, you can go really deep and you can have a lot of fun.”

Contrary to the taste of some critics, Zambello’s interpretation puts a huge emphasis on visual spectacle: the production is characterised by its colourful sets and flamboyant period costume (designed by the late Maria Björnson), and the opera culminates with Don Giovanni being accompanied into Hell with some dazzling pyrotechnics. “That’s when Don Giovanni gets a beautiful tan,” Schrott laughs “you’ll see me get browner and browner at each performance.”

He goes on to describe his first encounter with the fire machine: “Last time I did Leporello we were told we’d do a rehearsal with the flames and I thought ‘OK yeah, flames, no worries’ but when they appeared I was like ‘aaaaaaaaah’ – they were huge!” Schrott tells the story with some wild arm flinging and all the appropriate sound effects: it’s clear that acting comes as naturally as singing, but his theatrical personality is tempered by a wonderfully self-deprecating humour.

When I ask Schrott about the physical demands of playing Don Giovanni, his face lights up. “Oh, I’m really kicking some arses over there!” Ah, so lots of sword fighting then, I nod. “Noooo, real kicking arse!” he laughs, and goes on to talk excitedly about working with the distinguished fight choreographer William Hobbs: “He’s exceptional, he’s such a gentleman…and he’s teaching us all the techniques to make it look like we are having a real fight while hardly touching each other.”

Schrott is supported in this production by a glittering cast, which includes Robert Lloyd, Ana María Martínez and, of course, the glamorous Russian soprano Anna Netrebko (“a wonderful girl, so smart”) who is reprising her role as Donna Anna. When asked about ways of attracting younger audiences to opera, he explains that the key is to create believable characters on stage: opera singers must also be able to act. “There used to be a stereotype about opera, you know, this fat guy with a beard, smoking in the middle of the stage going ‘waaaaaaah’” he says, breaking into warbled song. “Those sort of people are not working in opera any longer, thank God.”

As a flourishing performer, Schrott has a great many roles in his sights, but says he will always have a soft spot for Mozart: his suitability for the part of Don Giovanni, he assures me, has nothing to do with the attractiveness of youth. “Don Giovanni is not about how good you look, it is about how you are, it is a way of being,” he pauses briefly “you could definitely play a Don Giovanni at 75.” I hope I’m around to see it.»

Interview with Erwin Schrott

by — (Levante)

«- Usted ganó Operalia (primer premio masculino y premio del público) en Hamburgo el año 1998. ¿Qué hay antes de Operalia?
-Uf, muchísimas cosas. Se podría decir que me habían adoptado como el bajo-barítono en el circuito formado por Montevideo, Buenos Aires, Santiago de Chile y Río de Janeiro, y también trabajé mucho con la Orquesta Sinfónica de Porto Alegre. …

- ¿Fue Operalia su vía de entrada en Europa?
-El primer salto fue a los Estados Unidos. En el 96 hice en Washington una audición para Plácido Domingo, que enseguida me ofreció el Dulcamara de L’elisir d’amore.

- ¿No era muy joven para ese papel?
-No, no, para nada. ¿Dónde está escrito que Dulcamara tiene que ser viejo? Hicimos un Dulcamara joven, pícaro, donjuanesco, con mucha fuerza.

-¿Y cómo decidió presentarse a Operalia?
-Me lo ofreció Plácido, pero, ¿sabe?, yo no estaba muy seguro al principio.

- ¿Por qué?
-Tenía mis escrúpulos morales. No me acababa de parecer justo que yo, que ya me estaba ganando la vida cantando compitiera con gente que quizá no había debutado todavía.

- ¿Y qué resolvió el dilema?
- Tres cosas: la idea de que estaba en la edad justa para presentarme, que me lo ofrecía Plácido Domingo y la promesa que me hice a mí mismo de que, me fuera como me fuera, aquel sería el último concurso.

- ¿Y no era cualquier concurso.?
- Desde luego que no. Aparte lo que tiene de, digamos, vidriera en la que todo el mundo te ve, está el contacto con Plácido Domingo. Y de su esposa Marta. Ambos tienen el don de saber dar el consejo justo en el momento justo.

- ¿Y también estudió con Mirella Freni? …
- No exactamente. Con Mirella tuve la oportunidad de cantar La bohème en el Colón de Buenos Aires. Ella tenía sesenta y siete años, pero parecía una princesa de veinte.

- ¿Y Ruggero Raimondi? ?…
- También. Pero con Ruggero yo nunca hablé de técnica. Sí y mucho de interpretación, pero no de técnica.

- Su fama de cantante no es menor que la que tiene como actor. ¿Es espontánea o estudiada?
- No, de espontánea nada. Es hiperestudiada. Sin perder nunca la espontaneidad, porque dentro, en el fondo, siempre ha de quedar un fueguito de espontaneidad, pero cada movimiento, cada gesto está muy estudiado. Pasar por el Actor’s Studio

- ¿Prepara específicamente esa faceta?
-Sí, claro. En Buenos Aires y Montevideo tengo un grupo de buenos amigos actores, con los que me reúno periódicamente. Y cuando estoy en Los Angeles, también suelo pasarme por el Actor´s Studio como oyente.

- ¿Y cómo hace?
-En casa discutimos papeles dramáticos, aunque no roles operísticos. Para Don Giovanni, por ejemplo, lo que trabajamos es Molière, o Tirso de Molina. Es decir, lo que me interesa entonces es el carácter del personaje, sus matices teatrales… -Ha mencionado el Actor´s Studio. ¿Sigue usted como actor el “método” de Stanislavski?
- Sí, por supuesto. Esa es nuestra línea.

- Eso supone una fusión entre la vida y el trabajo no muy habitual.
-Pero es que este trabajo, tal como yo lo concibo, ha de ser así, casi como un juego. Muy serio, por descontado, pero un juego en el que sobre todo, para hacerlo bien, uno se ha de divertir. Si no, no vale la pena, y además sale mal.

-Para usted, que ha hecho todos los personajes masculinos de Don Giovanni salvo Don Ottavio… ?
-No crea, me lo estoy planteando [Risas].

-Perdone, pero lo veo difícil… ¿Cómo se ve la vida siendo Masetto?
-Desde Masetto la vida se ve con mucho sufrimiento. A él le tocan, le invaden muchos espacios, sensaciones, colores que a mí como ser humano no me gusta que me toquen: mis derechos, mis libertades y principalmente mis espacios. Y se ha de cantar muchas veces con los dientes apretados. Pero lo interesante es construir ese personaje desde dentro.

-¿Y Leporello?
-Leporello admira a Don Juan como a su jefe triunfador, del que presume ante los amigos y detrás del cual va tratando de aprovechar las migajas que caen, como se ve literalmente en el final. Él es más inteligente que su amo (tiene algo de Mefistófeles), pero no tiene ni el derecho ni el valor de afirmarse.

-Finalmente, Don Giovanni. Bueno ¿Don Giovanni o Don Juan?
-Don Juan, sin duda. Mi favorito es el de Molière, pero es un personaje que nunca deja de cambiar. Más cuando uno trabaja, por ejemplo, con maestros como Lorin Maazel, capaz de enriquecer la obra y el personaje con un pequeño pero profundo detalle…

-Intuyo que para usted Don Juan persigue en la vida algo más que un catálogo de mujeres conquistadas.
-Por supuesto. Cuando va al cementerio, por ejemplo, dice que hace muy buena noche para ir a buscar muchachas, pero de pronto se detiene y se pregunta casi en un susurro y casi sin interrogantes «¿Es tarde?» ¿De dónde viene esa pregunta?

-Usted cantó el aria de Escamillo en Carmen en la inauguración del Palau de les Arts el año pasado.
- Fue una impresión tremenda. Figúrese. Yo venía de Italia, donde acababan de recortar por la mitad los fondos públicos para cultura y espectáculos, y llego a Valencia, donde de pronto se montan una megainauguración de un megaedificio… Me pareció alucinante.

-¿ Está tan fascinado como veo?
-Es mágico. Sucede como si hubiera hecho un viaje en el tiempo…veo la Vall d’Albaida en el siglo X.. Yo me emociono.

- ¿Conocía usted Valencia de antes?
-Yo de Valencia había sentido hablar de sus muebles, de la luna de Valencia, de la paella, de la belleza de las mujeres y de la gran escuela que ustedes tienen de instrumentos de viento. Y de repente me llega esta bomba, esta bestialidad que hicieron acá, justamente cuando estaba todo el mundo quejándose. Acababan de cerrar el Metropolitan de Nueva York durante doce días, Covent también tenía problemas y en Viena había un déficit tremendo. Y, de pronto, aquí empiezan a hacer una fiesta con veinte mil fuegos artificiales y trayendo a gente como Lorin Maazel, Zubin Mehta, Roberto Alagna, Angela Georghiou… Fue toda una sorpresa.

-Por desgracia, el escenario no se ha mantenido.
-Sí, pero la caída del escenario hay que tomársela como que no es más que una puerta que se nos abre para que entre el milagro que se va a producir en cada una de las funciones.

- No comprendo.
-Quiero decir que algo que empezó tan mal sólo puede ir a mejor. Y el trabajo que se ha hecho ha sido tan estupendo que la explosión hacia abajo tiene ahora que convertirse en una explosión hacia arriba.

-¿Es la primera vez que se encuentra en una circunstancia así?
-No, claro que no. Accidentes como este pasan en todos los teatros del mundo. En Covent Garden tuvimos que hacer un segundo acto de Don Giovanni a telón bajado porque se había producido un fallo técnico. Y Covent Garden ha de sentirse orgulloso por haber tenido un cast de cantantes que hizo de aquella la mejor función de once que se ofrecieron.

- ¿Cómo va a ser la escena?
-Una media luna en torno al foso, más un metro o así por detrás cuando se levante el telón cortafuegos.

-Entonces van a cantar desde el proscenio.
-Sí, básicamente sí. Pero promete bien. Y el cast es buenísimo. Hay un par de voces muy grandes y otras no tanto, pero todas bellísimas. Va a salir muy bien, seguro.»

Lirica, Erwin Schrott: Mozart, il pubblico e l’Opera

by Giorgia Meschini (Teatro.org)

«A soli 33 anni, Erwin Schrott ha già cantato nei maggiori teatri d’opera del mondo diretto da Maestri come Mehta, Levine, Maazel, Muti, Pappano – proprio diretto da quest’ultimo, ha cantato per la prima volta a Roma, debuttando nel ruolo di Mefistofele ne La damnation de Faust di Hector Berlioz, evento-inaugurazione della stagione sinfonica 2006-2007 dell’Accademia di Santa Cecilia. Ed ora, diretto dal giovanissimo Gustavo Dudamel, torna ad interpretare Don Giovanni nell’opera di Mozart al Teatro alla Scala.

Ti senti molto a tuo agio nei ruoli mozartiani cantati finora (Figaro, Don Giovanni, Leporello)…
La scelta di fare, principalmente, ruoli mozartiani è dettata dalla mia voce, adatta a quel repertorio e anche dall’aver avuto la fortuna di lavorare fin dall’inizio della mia carriera con Maestri come Freni, Nucci, Domingo, i quali mi hanno insegnato che con Mozart si impara a cantare, fa molto bene sia allo strumento vocale sia alla musicalità. Ovviamente ho preso questi insegnamenti molto seriamente, e finora sono stato fedele a questo repertorio, studiando nel frattempo anche altri compositori, e questo mi ha consentito di aver tempo per studiare molta musica da camera, che vorrei interpretare in un prossimo futuro, e di specializzarmi in quello che faccio, di prendermi cura dei dettagli, a tutti i livelli, rispettando l’arte, me stesso e il pubblico.

…e poi ogni tanto ti cimenti in un nuovo ruolo – l’anno scorso Pagano nei Lombardi alla prima crociata di Verdi, quest’anno Mefistofele ne La damnation de Faust di Berlioz, l’anno prossimo Mustafà nell’Italiana in Algeri di Rossini. Con quale criterio scegli le “novità” da inserire nel tuo repertorio?
Per scegliere i ruoli da interpretare mi prendo molto tempo, ci sono parti che una volta finite di studiare lascio decantare per un po’ ed altre che dopo due giorni ho una voglia matta di portare sul palcoscenico immediatamente! Sono molto fortunato, devo ammetterlo: fare una carriera come la sto facendo è per il piacere di fare musica, senza alcuna pressione a fare scelte sbagliate o frettolose. Non ci tengo a debuttare in dieci ruoli all’anno, ma con calma debutto in uno, due. E cerco sempre di perfezionare quelli che canto già, dal punto di vista musicale e drammatico. Studiare, studiare, studiare…e poi ricominciare a studiare. Ogni ruolo è sempre da riscoprire, specialmente quelli caratterialmente complicati, con una base non solo musicale, ma letteraria, sociale, storica…è una ricerca infinita e mi piace lasciarmi andare in quell’abisso meraviglioso.

C’è un ruolo in particolare che ti piacerebbe interpretare nel futuro?
Tanti, tutti, di tutto e di più! Ho sempre la curiosità di scoprire repertorio nuovo e sconosciuto per me. Non si finisce mai, c’è sempre da scoprire…penso che questo sia l’amore per questo mestiere, e io ne sono totalmente innamorato.

Preferisci la forma scenica o il concerto?
Quella che mi fa trovare davanti al pubblico, in teatro, in una sala da concerti, ovunque. In concerto sicuramente la voce è in primo piano, con il compito di far sognare il pubblico, la responsabilità di dipingere una scena con colori cercati in ogni frase. Lo si fa anche in un allestimento, ma in concerto il cantante fa il suo allestimento personale, la sua immaginazione e la sua creatività devono far volare il pubblico insieme a se stesso.

Non avevi mai cantato a Roma, finora. Come ti è sembrato cantare a Santa Cecilia?
Molto divertente, un’esperienza che mi ha arricchito tantissimo, è stato un grande onore per me cantare a Roma, che è una città molto ricca storicamente e culturalmente, ma anche con un presente e un futuro secondo me molto roseo, grazie a tutti quelli che se ne interessano, e che si interessano anche alla nostra arte: ho potuto constatare come sia gli artisti dell’orchestra e del coro, la produzione e la direzione, tutti i professionisti del teatro, siano gli appassionati di quest’arte prendano molto sul serio la missione di portarla avanti.

E lì hai ritrovato anche il Maestro Pappano, con il quale avevi già lavorato…
E Antonio Pappano…è un mito, una persona con la quale ho avuto la fortuna di trovarmi anni fa a Bruxelles, ed è nato un rapporto professionale basato sul grande rispetto e l’ammirazione che ho per lui come musicista ed essere umano. Ogni volta che mi viene offerta la possibilità di lavorare con lui per un concerto o per un’opera è per me una grande gioia, una grande spinta personale, sapendo che un grande Maestro come lui si fida di un’artista come me. Tutte le occasioni in cui mi sono trovato con lui sul podio sono state di grande sfida…bisogna essere all’altezza, studiare tanto. Una grande fortuna. Pensare che ogni spartito che ho fatto con lui porta il suo segno, il segno di un musicista e un essere umano generoso…potrei parlare per ore del Maestro, ed ho da dire solo cose positive, è un grande!

Sia l’Accademia di Santa Cecilia, sia il Teatro dell’Opera di Roma, così come ormai tutti i teatri e le fondazioni in Italia, hanno sofferto per i tagli al FUS, e si sono dati da fare per rimediare cercando sponsor privati. Cosa pensi di questa situazione?
Come accennavo prima, solo con il reale interessamento di chi è in grado di suscitare delle fonti economiche, produttive, amministrative si può portare avanti il teatro, insieme all’impegno responsabile di noi artisti, che dobbiamo essere in grado di suscitare l’interesse del pubblico per farlo tornare. Non serve far venire nuovo pubblico una volta, ma che il nuovo pubblico resti, che si interessi, che ritrovi passione per un’arte quasi dimenticata a causa della faciloneria, in favore magari di spettacoli televisivi o di altre cose così. L’Opera dal punto di vista mediatico sta creando di nuovo interesse, per fortuna, ed è bello che il pubblico possa scegliere, bisogna conoscere le cose per poter stabilire se una cosa piace o meno. E’ necessario però educare il pubblico fin da piccolo: i bambini sono il domani, si deve creare un vincolo educativo, come hanno fatto i miei genitori, non lasciandoli per ore davanti alla tv senza lasciar spazio ad altro tipo di educazione. La tv può essere, anzi è sicuramente un importante strumento informativo ed educativo, ma altrettanto sicuramente non l’unico. Le letture e la musica ci uniscono molto di più. Penso che con le sponsorizzazioni private il teatro finalmente non dovrà cimentarsi ogni volta con della burocrazia inutile, che tarpa le ali all’arte per motivi incomprensibili, completamente estranei ad essa. Servono idee, coinvolgimento e tanta, tantissima passione.»

Madura juventud – Reportaje a Erwin Schrott

by Jorge Binaghi (Operayre)

No, no he querido rendir a mi modo el homenaje obligado del año literario, el de la “loca cordura” de Don Quijote. En cualquier caso, el famoso oxímoron no lo es tanto en el caso del título. No por lo menos en el caso concreto de Erwin Schrott que, apenas superados los treinta años, está terminando de establecerse en la primera línea de la nueva generación de cantantes. Desde su Don Giovanni florentino (o aún antes, desde su ‘Faraón’ escalígero) sentía curiosidad por conocer a un casi compatriota de carrera -para los días de hoy- tan tranquila y disciplinada. La ocasión se presentó finalmente el 2 de octubre pasado en Florencia, tras la última representación en que el bajo interpretaba el rol de ‘Pagano’ en I Lombardi (hasta ahora, salvo algún rol ‘menor’, sólo ‘Banquo’ podía dar una idea de su valía como intérprete de los roles de su cuerda escritos por aquel huraño campesino compositor). No es tarea fácil entrevistar a Schrott: en el camerino, aparte de la gente del teatro que saluda o entra y sale a buscar cosas, aparecen jóvenes y no tan jóvenes venidos de la ciudad, pero también de Padua -por ejemplo- para felicitar, en búsqueda de un autógrafo, o simplemente saludar. Y no hablemos de sus fans/amigas norteamericanas que cruzan el océano como si fuera un paseo de pocos minutos para no perderse una de sus funciones. Para todos tiene una palabra, entre mate y mate (parece que el buen carácter uruguayo ha prevalecido sobre la neurosis enloquecida de Buenos Aires, a la que también recuerda con especial cariño). Pero si esto ya quiebra cualquier ‘hilo’ en la entrevista, lo mejor está por venir. Cuando parece que todo se aquieta, nos avisan que el teatro se va a cerrar y hay que salir. Mete todo en su bolso (observo, además de partitura y otros objetos propios de su oficio, que lleva un libro sobre las cruzadas al lado del mate: un cantante que lee sobre la época de lo que le toca cantar…vaya). Con típica rapidez porteña -’de ambos márgenes del Plata’, como se encarga de precisar- y cuando yo ya estaba dispuesto a dejar la cosa para otra vez, mientras sale y firma más autógrafos, se despide con cariño de personal del teatro y le aclara a una señora algo nerviosa que se le dirige en alemán que apenas conserva un vago recuerdo de la lengua de su abuelo, decide que vamos a seguir en un restaurante en el que tiene cita con sus amigos, y se encamina hacia la célebre Rotonda (donde hay, además, música más o menos fuerte según los momentos y el público). Pide una mesa aparte ‘un rato’ y volvemos a empezar, esta vez sólo interrumpidos por los camareros que preguntan cuándo va a cenar y por los que entran y lo saludan. Tal vez el lector esté cansado y se pregunte por qué no he empezado directamente. Porque creo que la atmósfera y la actitud forman parte de una entrevista, si quiere dar una idea aproximada de un artista en su totalidad. Como lo es el hecho, hoy sin precedentes, de que pregunte muy educadamente si puede tutearme o si me trata de ‘usted’: definitivamente, es uruguayo.

- Me aburre hablar de mí; no sé qué decir. Me interesan más otras cosas, de veras. Si empezamos con ‘dónde estudió’, ‘cuáles son sus planes’, ‘cuál es su método’, la entrevista será corta.

(Trago un poco de saliva porque eso es lo que se le suele preguntar a un cantante y porque ha salido hace poco en la revista italiana L’Opera una entrevista muy completa que casi vuelve innecesaria otra). Aunque pienso que no importa mucho -para mí- el documento de identidad de un cantante, le recuerdo la primera vez que lo oí como ‘Monterone’ en su debut en el Colón de Buenos Aires y, con la reciente reapertura del Solís de Montevideo, si piensa volver a los lugares donde surgió. Y con su voz resonante hasta cuando habla bajo (y no suele hablar fuerte) se entusiasma:

- Me muero de ganas de volver, y no sólo a Buenos Aires o Montevideo (los quiero muchísimo a los de un lado y otro del río), sino a toda Latinoamérica. Tengo proyectos, tengo ideas, que no voy a explicar ahora. Espero volver al Solís, no veo la hora. Y más que de ese ‘Monterone’ recuerdo ‘Colline’ junto a la Freni. 67 años tenía; nos daba vuelta a todos. Dentro y fuera del escenario. Con ella se respiraba diferente: ¡qué increíble!Cada una de las funciones recuerdo que cantar la “vecchia zimarra” se volvia casi imposible; estaba agobiado por el llanto. Cuando sucede que un colega por su interpretación te emociona, algunas veces es difícil de controlar. No me digas que no es estupenda la idea de creer literalmente que estás ahí, que sos ese personaje, que esa es tu vida, y principalmente sentirte feliz de ello. ¡Qué fortuna la nuestra, poder jugar a ser alguien diferente cada vez, como hacíamos de chiquitos! ¡Qué gran juego este arte!

Ahí lo tienen: entusiasmado, con la inteligencia que le permite reconocer el aporte del grande veterano y de calibrarlo también como persona. Será tranquilo de aspecto, pero bulle de ganas de hacer cosas, no sólo en su carrera, sino más en general. Le planteo el problema económico de América latina y los vaivenes no sólo económicos del Colón.

- Ese es un problema a nivel mundial. Fijate aquí (no me he olvidado el cento, Schrott habla, como se habrá visto, en castellano rioplatense con alguna interferencia italiana) lo que pasa: cortan las subvenciones del 50 % al Fondo Único del espectaculo: el teatro ya estaba agonizando, y ahora esto… En el Comunale, uno sube al escenario y te llueve en la cabeza ¿¡Y se habla de recortar los fondos!? ¿En estas circunstancias recortan el presupuesto? El Metropolitan cerró durante algunas semanas. Primera vez en la historia de ese coloso. Sudamérica es mi hogar, con mi gente, mi cultura, no tengo que mediar para ir, no se me tiene que decir que será difícil pagarme (como me ha sucedido). Yo soy sudamericano, veo las noticias, me mantengo inform ado. Pienso que la gente cree que uno pierde el norte al estar lejos, y no es así: cuanto más lejos se está, más se entiende y más cerca se quiere estar. Y siento que es mi deber hacer algo para aportar un granito de arena a los muchos que trabajan y que contra viento y marea proponen espectáculos. Podría incluso hacer algunos de ellos gratis: estoy siempre dispuesto, con la única condición de que los posibles fondos se destinen a una obra, organización o algo similar.

Le comento que Fiorenza Cedolins había propuesto lo mismo y la respuesta -que por suerte no recibió- fue “¿y quién es?”

- Bueno, espero que no se hayan olvidado de mí. Veremos. Hay propuestas, hay cosas para hacer en este futuro que parece ser un poco incierto, así que manos a la obra para que logremos concretar. Creo que la clave está en organizar espectáculos coproducidos, no caer en la tentación de los viejos tiempos, donde se gastaban fondos enormes en espectáculos que quedarían más tarde encerrados en un galpón. Se necesita buen criterio, educar, y escuchar. En general, no es bueno encerrarse y no querer oir a los otros: se aprende mucho, escuchando, de las propias limitaciones y de las ajenas.

A propósito, para los tiempos que corren, tu carrera es rara. Va de a poco: pequeños roles primero, algunos más grandes después; te recuerdo en París en Masetto, no te he visto aún en Leporello, pero sí en el protagonista aquí mismo hace unos meses

- Ah, sí: yo, tranquilo. No tengo un repertorio amplio; diría que con asiduidad canto cinco papeles a los que se agrega alguno menos frecuente y alguno nuevo como éste. En mi inicio (todavia estoy en él) había gente, que sostenía que tenía que tener un repertorio enorme para multiplicar las posibilidades de vender el “producto”. Yo los únicos productos que conozco en este arte son esos con los que se limpian las butacas. Cada uno tiene que tomar un camino, el mio es este…tranquilo, con el tiempo necesario para poder disfrutar lo que hago. Carrera, no quiere decir que tenga que corer contra reloj. Esta es mi carrera, así quiero hacerla, con humildad pero siguiendo una línea que me he trazado: no quiero debutar más de dos papeles nuevos por año. Me quiero tomar todo el tiempo necesario y hasta un poco más antes de debutar un nuevo rol.

Me quedo admirado de la convicción, cuando lo que hoy se estila es acumular roles frenéticamente con los resultados que luego se ven y nos ponemos a discutir sobre carreras abreviadas o maestros de canto a la fuerza, pero hay una nueva interrupción. De importancia. También para la entrevista, aunque no tenga cabida en ella, porque detrás de la anécdota, que en sí misma no interesa, está el ser humano. Un celular, en el que se acumulan mensajes y llamadas, suena. Tiene muchos amigos en Florencia, algunos miembros del coro, y no siempre las noticias son buenas. Se queda serio y pensativo, hace algún comentario, llama por teléfono y vuelve al tema. Le pregunto si prefiere dejarlo o si no es mejor que vaya a cenar, pero dice simplemente:

- Sigamos; también esta entrevista es parte de lo que quiero hacer. Para retomar por algún lado, pregunto cómo es que, cantando en Italia, Londres, Viena, París, al principio en Bruselas, Nueva York, Los Angeles, etc. no canta en España (a los pocos días lo llamaban a último momento para la segunda función de esa peculiar Carmen del nuevo teatro de Valencia). No sé. Pienso que no se puede estar en todos lados al mismo tiempo. Teatros como Viena, Metropolitan, Covent Garden, la Scala, Los Angeles, Washington, Firenze, me ofrecen cosas que quiero hacer, y me involucran en proyectos para el 2009, 2010. En España, haré el año que viene Los cuentos de Hoffmann en Bilbao, luego le sigue (siempre en España) Don Giovanni , Le Nozze y l’Italiana en Valencia.

Pero esos cuatro papeles de Hoffmann son de barítono o de bajobarítono. Me parece que en tu caso se trata de un bajo noble o bajo cantante, aunque es cierto que el agudo no te ofrece problemas. Es cierto que hay roles ambiguos, pero he leído en esa entrevista italiana que hay dudas entre ‘Valentín’ y ‘Mefistófeles’de Faust e incluso entre ‘Posa’ y ‘Filippo’ en Don Carlo. ¿Incertidumbre sobre la identidad vocal?

- Intriga. No digo que vaya a cantar de barítono, pero digo que ahora, por ejemplo, el ‘Conde de Luna’ no me plantearía problemas. Pero es una cuestión personal, que pruebo en casa. Lo que sucede es que cuando uno busca en la música también va descubriendo cosas propias, todas positivas. Sólo tengo que dejar que mi instinto tome la decisión, luego será mi conciencia, luego de pensar, pensar, estudiar, estudiar, la que tomará la iniciativa.

Yo escuchándote hoy pensaba en la grabación de Pinza de la escena de ‘Ferrando’ en Il Trovatore. Claro que es un rol ‘de relleno’ y no se puede comparar con ‘Luna’, pero cuando se lo puede cantar como lo cantaba él—

- Lo canté con 21 años (entona “Di due figli vivea padre beato”; apenas marca, pero el efecto es notable). Pero, claro, son papeles poco interesantes dramaticamente. Tomá por ejemplo el ‘Rodolfo’ de La Sonnambula, que canté en Río y me va estupendamente: el rol es un poco estático. La personalidad del personaje es pasiva. No me veo, ahora, haciendo esos roles. Necesito crear personajes más complejos, donde tener que penetrar muy hondo y que sean justamente las corrientes de ese abismo las que me den las guías para luego tomar las riendas de lo mas lino que este trabajo te da: la creación. El amor a mi trabajo, la pasión que en mí genera el trabajar duro, cuanto más difícil, más me gusta. Entonces es obvio, cuando por fin logro hacer las cosas como quería, o por lo menos estar en el buen camino (quiero decir que siempre se puede mejorar), me emociono muchísimo…

Pienso, pese a todo, en un Bellini con personajes del tipo de, más que ‘Oroveso’, el ‘Giorgio’ de I puritani

- También lo he cantado..Pero cómo me gustaría cantar la parte del barítono.

Explicable..Un rol glorioso. Claro que el barítono nació prácticamente con Donizetti y Verdi. El famoso Ronconi era bajo, pero después de cantar Nabucco tuvo que escribir unos ejercicios destinados a resolver las nuevas exigencias para su voz. A lo mejor habría que mirarlos. Pero ¿entretanto?

- Debutaré pronto el ‘Mefistofele’ de La damnation de Faust

Un clásico ejemplo de bajo noble o bajobarítono. Veo que el repertorio es básicamente italiano y francés.

- Sí, y por ahora así quedará. Reconozco que siento el llamado del repertorio ruso, La dama de pique, o Onegin o el Demon pero puedo esperar, así como también puedo esperar para el repertorio alemán. Un’Langrave’ de Tannhauser.o el Wolfram, y….¡¡¡el Holandés!!!

Muy pronto realmente. Si no fuera por la edad, más bien yo pensaría en ‘Daland’. ¿Qué te dicen cuando rechazás algo?

- Si supieras las inauguraciones, grabaciones y DVD que me han propuesto con repertorio que no quiero hacer, entenderías por qué uno dice que no. No lo lamento. Una gran respuesta el “no” dada en su justa medida, como siempre me han enseñado mis grande maestros. Recuerdo (otra vez) a la Freni diciéndome: “muchacho, con ese don que te ha dado la naturaleza, la respuesta más frecuente que deberás usar será un sólido y simple “no” , o a Raimondi cuando nos encontramos en su ultimo Don Giovanni (yo haciendo Leporello): “sigue tu instinto y no pierdas la facultad de decidir siempre tú”. En base a lo que te estoy contando, está la razón de mi decisión de poner a Escamillo, después del Met, Viena, Londres y Firenze, en un rincón por algún tiempo…..Que se quede en penintencia por ser tan engreido!!! Jajaja.

(Tiene una rita contagiosísma y muy sana, por cierto).

¿Y Rossini, Donizetti?

- El Rossini serio, tal vez. Después del ‘Faraón’ en la Scala, que fue una gran experiencia en todos los sentidos (aprendí el papel en tres días). Después de haber dicho no tantas veces, fueron justamente Muti, Meli (el ex intendente de la Scala) y Dradi (su agente italiano) los que entendieron mi posición: un debut en la apertura de la Scala, con un repertorio que no me había puesto a pensar hasta el momento….Lo único que pedí para decir que si fue, el mejor repasador y una maestra de francés las 24 hs. ¡Que alegría siento al decir que hasta los rossinianos más empedernidos decían que soy nacido para cantar ese repertorio! Ahora por gusto personal estoy aprendiendo ‘Assur’ y ‘Maometto’. Después se verá.

Dos excelentes ideas, sin duda alguna.¿Nadie te ha pedido el ‘Alfonso’ de Lucrezia Borgia? Me parece una parte ideal.

- Sí, también ha aparecido. Pero te digo, despacio. Yo quiero estudiar mucho en calidad no en cantidad, tranquilo y con tiempo.

¿Solo?

- Básicamente, sí.Claro, tuve en Uruguay a Emilia Rosa y en Buenos Aires a Sassola, y otros maestros (muchos) de los cuales tomé lo que tenían para darme; luego fue mi voz y el estudio sobre mí mismo lo que me ayudó a decidir qué tenía que aceptar como propio. Ahora estudio con una fantástica musica, Ani Alvarez Badano, una música total, a la cual,
principalmente por el respeto musical me merece, le pido que me dé alguna opinión. Es importante, como te decía antes, no quedar sordos por nuestra propia vanidad artística y escuchar a los demás. Claro que son sólo personas de mi entera confianza. Mas allá de eso te digo con mucho orgullo que la parte técnica de ‘Pagano’ de I Lombardi la estudié con toda la información que me han sabido dar, sean mis maestros y aquella del maestro más grande, el escenario.

Ya que estamos en esta ópera: ¿Es consciente o no esa graduación del volumen? Impresionante en el terceto final y en la escena de la muerte, era mucho más ‘modesto’ en el celebérrimo terceto del tercer acto

- Consciente. Ahí hago de soporte y la melodía la cantan los otros. Mehta me sugeria buscar la melodía. Solamente es una cuestión de respeto y calidad musical: unas veces se es protagonista, otras veces se gana un Oscar como actor de reparto. Pero cuando llega el acto final, toda la energía que se genera con dos bajos cantando juntos con frases cortas pero afiladas como un puñal, se crea una avalancha energética como pocas. Como Filippo-Inquisitore. Es una bella oportunidad en la cual dos colegas se miden, legal, justa, y placenteramente. Cuando se termina el acto, uno se mira con el colega que hizo, por ejemplo, la parte del Commendatore (que también me gustaría cantar; así sólo me quedaría don Octavio…), casi sintiéndose un gladiador.

¿Es tu frecuentación de Mozart lo que te hace evitar casi siempre el énfasis?

- ¿Qué querés decir con énfasis? Dame un ejemplo

Que el que no canta Mozart suele hacer demasiado hincapié en las frases, les da una grandilocuencia o un peso excesivos. Y me ha parecido que en los recitativos de Verdi utilizabas el recurso sólo cuando la situación parecía exigirlo (en alguna frase del recitativo precedente a las arias de ‘Pagano’, por ejemplo). Y el fraseo es bueno…

- Ah, eso querías decir…. Bueno, basta dedicarse al texto durante un largo período, aprenderlo, estudiarlo, y dejarlo reposar por un largo tiempo. Mientras “duerme”, millones de ideas vienen una detrás de la otra, y sin correr, sin tomar decisiones apresuradas, sin dejarte convencer por la primera vista, comenzar el “cleaning”: sumergirte y dejar que las corrientes te den un gran paseo por el infinito de la diversidad de colores, matices, intenciones, y… ¡¡¡SILENCIOS!!!

Volviendo siempre a Mozart, y no por el aniversario sólo: ¿Leporello o don Giovanni? ¿Figaro o el Conde?

- Los tres primeros los he cantado; el último no. No es simpático como personaje, pero me gustaría intentarlo. Hay movimientos musicales que me fascinan, entre ellos el duo con Susanna, el terceto, y la frase del ultimo acto: “Contessa perdono”, que es un diálogo con el más allá, el perdón absoluto. Luego de una frase como esa, hasta yo podría perdonar a los políticos que están recortando el 50% del F.U.S, atentando contra el placer de las masas, el trabajo de otros tantos, y la cultura de una entera nación.

Y no citás el aria, que es una cátedra de canto; hasta te obliga a un trino al final…

- ‘E giubila-a-aa-r mi fa: ¿esto? (lo canturrea, y me quedo pensando en eso de las categorías de las voces, que en algunos casos es pura simplificación)

Sí, eso mismo, pero vuelvo a insistir: ¿Don Giovanni o Leporello?

- Dramáticamente, Leporello… Por suerte despues de ponernos de acuerdo con el Met y con Viena, lo representaré de nuevo, luego de haberlo hecho en el Covent Garden.

¿Tenés buena relación con tus pares?

- Muy buena. No tengo problemas con colegas. Hay algunos con los que simplemente me da más placer encontrarme porque hemos tenido la suerte, el tiempo y las ganas de crear un vínculo duradero. Una cuestión humana, de ‘feeling’.

¿Y los períodos de descanso?

- Mi hija, que es el aire que respiro. No he tenido mucho tiempo este año. A partir de 2008 voy a intentar espaciar un poco más; ahora no puedo: de todos modos, me tomo dos o tres días para llegar a la ciudad y en los ensayos; así llego al día del primer ensayo muy pronto: la primera impresión es muy importante. Lo que hago en los ensayos también: hablo la parte durante los ensayos de escena, en los recitativos. El método de Stanislavski es importante en este oficio: tratar de interpretar para ‘un’ espectador concreto, por ej. Curran (cuya puesta de I lombardi no gustó en Florencia) trabaja exactamente con la escuela Stanislavski, que para mí es como la biblia en teatro. Nos encontramos hablando en un mismo lenguaje teatral, lo cual para mí fue una gran ventaja siempre. Tener una base, respetarla y mejorarla, cuando la persona que uno tiene enfrente tenga tanto o más para dar.

¿Nunca pensaste en lieder o melodía francesa o canción española o sudamericana? De paso, sirven para la voz

- Otro maestro de Uruguay, Gilardoni, hace ’schubertiadas’ y nos divertíamos mucho cantando de todo, sin hablar de las ricas cenas que prepara Mario un chef para chuparse los dedos, que constituían, junto a la música, una excelente razón para estar juntos. Hice algunos conciertos años atrás, cuando gané el concurso Juventudes Musicales en el interior del Uruguay, con música sudamericana, española, italiana antigua y algún que otro lied. Donde recuerdo siempre estar cantando lieder, es en la casa de mi querida Mila Rosa. Ella sostenia que es una gran escuela de canto, y hoy lo sostengo también yo.

¿Querrías decir algo del tipo “lo que siempre quise decir y nunca me preguntaron”?

- Después se me ocurrirán miles de cosas, pero ahora no. O sí. Por ejemplo: ¿por qué hago este trabajo? Porque soy un tipo muy afortunado. Por que tengo una familia que siempre me apoya, maestros que son mi historia, pasado y presente, por el amor que la gente me devuelve en cada función. Porque no sé lo que es vivir sin música.

Se nota que, más que gustarte la música, la querés con pasión

- La amo. Es una responsabilidad ser artista, somos el presente de una gran historia; lo que me hace volver loco de placer es ese trabajo constante, esa búsqueda de que nada queda totalmente hecho; de que cuando retomo un papel me río de lo que había hecho la vez anterior. Te pongo un ejemplo con este Verdi: me parece que hice sólo una pequeña parte de lo que podré hacer la próxima vez que lo interprete. Dormirá durante algún período, y cuando despertará, seré yo el que tendrá mayor experiencia, o una diferente visualizacion del personaje. Lo habré vuelto a estudiar, y lo que saldrá desde mi interior, será definitivamente diferente. Fue sólo la primera vez. Y este trabajo, a diferencia de la vida, te da la oportunidad de morir mil veces, renacer otras tantas, volar por los aires, ser mejor, llorar, reir, y siempre tener otra posible oportunidad de mejorarlo.

(Probablemente, los momentos para mejorar de que habla sean los momentos en que ese gran laboratorio de ideas que es I lombardi no llega al fondo de la situación o del personaje: ‘Pagano’ no es ciertamente ‘Filippo’).

Pero está bien que un cantante se preocupe incluso cuando no ‘debería’ preocuparse. Erwin Schrott se preocupa. Y en este sentido, aprovechando una palabra que no he recogido aquí, pero que aparece mucho en su conversación, una palabra que a veces, ay, parece fuera de moda por completo, “dignidad”, creo que la definición mejor de Schrott -el cantante y el hombre, que son uno- es justamente esa: alguien digno. En ese ambiente y en este mundo, una verdadera hazaña.